Иссэй Мияке, японский дизайнер, который сам предпочитал определение «инженер моды», скончался. Начиная с 1970-х годов, он занимался разработкой инновационных материалов и созданием новых форм, чтобы создавать «вещи, которые облегчают жизнь и выполняют полезные функции». Мияке считал, что функциональность и креативность не исключают друг друга — мы расскажем, как этот талантливый технолог сочетал искусство и моду.
В настоящее время крупные музеи мира все чаще устраивают выставки, посвященные моде, дизайнеры создают совместные коллекции с современными художниками, а некоторые наряды (в особенности кутюрные) начинают восприниматься как произведения искусства. Однако профессиональный художественный мир не всегда проявлял такое расположение к моде. Мы знаем о сотрудничестве Эльзы Скиапарелли с художниками, коллекции Ива Сен-Лорана 1965 года, вдохновленной работами модернистов, и выставках, организованных Дианой Вриланд для нью-йоркского Метрополитен-музея. Но, в целом, инициатива в попытках сблизить индустрии моды и искусства исходила преимущественно от представителей модной индустрии (хотя некоторые художники, например Соня Делоне, работали в обеих областях, но это несколько иная ситуация).
Значительные изменения в этой области произошли в начале 1980-х. Именно тогда японские дизайнеры привлекли внимание парижской публики, радикально изменив европейское понимание одежды, ее функциональности и способов создания. Иссей Мияке, чья первая коллекция была представлена в 1971 году, считался неформальным лидером этого направления. В этой коллекции дизайнер также обратился к искусству – несколько изделий были украшены стилизованными под японские татуировки изображениями Дженис Джоплин и Джими Хендрикса, созданными Макико Минагава. Дизайнеры, демонстрировавшие на подиумах нестандартные, порой на первый взгляд непрактичные вещи, побудили публику задуматься: всегда ли мода является лишь прикладным видом искусства? Поворотным моментом стал 1982 год – специализированный журнал Artforum опубликовал на обложке мартовского номера фотографию модели в жакете и юбке Issey Miyake из коллекции Body Works. Выпуск с подзаголовком «Special Issue» действительно выделялся, поскольку один из ведущих изданий арт-индустрии фактически признал платье, созданное модным дизайнером, произведением искусства, превратив его в полноценный арт-объект. «В те годы было неслыханно, чтобы предмет одежды стал центральным элементом обложки журнала по искусству», – впоследствии отмечал Мияке. Как пишет Хейзел Кларк в своем эссе «Концептуальная мода», «художественное сообщество признало за ней статус нового жанра, получившего название „искусство одежды“». Однако это произошло не сразу – читатели Artforum выразили возмущение появлением «модного артефакта» в контексте арт-сферы, многие полагали, что ему там не место, и говорить о равноправном союзе этих двух сфер просто невозможно.
В одном из эссе, опубликованном в том же номере журнала, был поднят вопрос о том, почему моду нельзя рассматривать как искусство. Задаваться им после выхода работ Иссея Мияке стало гораздо реже — в 1980-х и 1990-х издания, такие как Artforum, Art in America, Flash Art и Frieze, регулярно публиковали статьи об авангардных fashion-дизайнерах, начиная от Рэй Кавакубо и Мартина Маржелы и заканчивая Хельмутом Лангом и Миуччи Прадой (а затем начали продавать рекламные страницы брендам). Это сотрудничество оказалось взаимовыгодным: мода получила одобрение со стороны арт-сообщества и право считаться полноценным участником этого мира, а журналы по искусству и впоследствии сами художники – финансовую поддержку благодаря рекламе и совместным проектам. И все были довольны.
Изначально данный материал был опубликован на BURO 12 октября 2017 года под названием «#tbt: как Иссей Мияке сблизил моду и мир искусства».
